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Kellii Scott of Failure comparte su filosofía para hacer música

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Aunque su currículum cuenta con créditos de grabación con megaestrellas como Pink, Christina Aguilera y el Dr. Dre, Kellii Scott es mejor conocido por repartir los surcos musculares que anclan a la querida institución de rock alternativo / espacial Failure. Scott se unió al trío con sede en Los Ángeles, cofundado por los multi instrumentalistas Ken Andrews y Greg Edwards, justo a tiempo para dejar su marca indeleble en el avance del grupo en 1996, Fantastic Planet. El fracaso se disolvió un año más tarde, pero se reunió en 2014 para una serie de fechas de gira, finalmente presentando The Heart Is a Monster de 2015 .

A lo largo de 2018, Failure deleitó aún más a los fanáticos con una campaña de lanzamiento única para lo que podría decirse que es el trabajo más fuerte y diverso de la banda, In The Future Your Body será lo más alejado de su mente . A medida que la banda escribió y grabó en el transcurso de varios meses, In The Future se reveló lentamente en entregas en tiempo real, culminando en un álbum de larga duración repleto de las características distintivas de Failure: texturas sónicas increíblemente exuberantes y de múltiples capas; canciones de tamaño cósmico que gotean con imágenes de ciencia ficción distópicas; y, por supuesto, una gran cantidad de tambores potentes. Hablamos con Scott para discutir los desafíos y las recompensas de hacer y lanzar un disco de una manera tan poco ortodoxa, así como algunas de sus filosofías personales sobre hacer música.

¡TAMBOR! : ¿Cómo surgió el plan para crear In The Future ?

KELLII SCOTT: Fue un par de años después de The Heart Is a Monster , y sentimos que era hora de escuchar música nueva. Pero tomar seis meses sólidos para escribir, grabar y lanzar un nuevo álbum de Failure estaba fuera de la mesa debido a las demandas de nuestras vidas personales en ese momento. Teníamos la idea de crear cosas en trozos más pequeños, pero nuestro pilar principal es hacer álbumes: necesitábamos sentir que estábamos trabajando para lograr algo más grande. Entonces, se nos ocurrió el título del álbum y la obra de arte primero y decidimos que dividiríamos esas dos cosas en cuatro piezas: una sección del título y una sección de la obra de arte para EP uno, EP dos, hasta el cuarto uno, que, combinado con los tres EP anteriores, constituiría un registro completo.

La parte más aterradora fue que nos comprometimos con la idea de que el orden de estas canciones tal como las lanzamos sería el mismo orden en el disco final. Por lo general, pasamos unas dos semanas simplemente secuenciando nuestros registros, por lo que se sintió como un desastre inminente en el horizonte. No sé qué fue, tal vez un 20 por ciento de intervención divina y un 80 por ciento solo una banda que realmente funciona bien en conjunto, pero resultó genial.

Tus compañeros de banda tienen fama de ser meticulosos. ¿Te presentaron ideas de canciones completamente formadas, hasta la batería?

Ken y Greg crearon demos muy pulidas, y su programación de batería fue increíble. Algunos de ellos eran solo marcadores de posición, destinados a ser desechados. En otros, era simplemente cuestión de hacerla mía. No soy una de esas baterías que es como, “He tengo que llegar a mis propias partes.” Si puedo abrazar la idea de otra persona, sólo estoy llenando mi arsenal con algo nuevo y fresco. Al igual que el patrón que Ken me dio para "Campos distorsionados". Quería emular lo que había escrito literalmente, pero todo estaba tan sincopado que era prácticamente imposible. En realidad le envié un correo electrónico a Dave Elitch[The Mars Volta, Miley Cyrus] y decía: "Escucha esto, ¿puede una persona realmente tocar esto?" Y volvió como: "Podrías hacerlo, pero no lo harías porque simplemente no sé maravilloso ”. Hubo ladridos de charles en el coro; Los moví a un choque de basura, que eliminó este desequilibrio que estaba sucediendo entre el pie izquierdo y el pie derecho en el patrón de Ken. Como bateristas, pensamos en la mecánica corporal de las cosas, y no lo hacen. De alguna manera, su escritura proviene de un lugar mucho más puro porque no están restringidos por esa información.

La amplitud de los tonos de batería en In The Future es asombrosa. ¿Fue esto informado por el proceso?

Oh si. Cuando arrojas un kit durante unos días para rastrear un registro completo, solo hay mucho que puedes hacer. Al distribuirlo en cuatro sesiones con unos pocos meses de diferencia, cada lote de canciones podría comenzar totalmente nuevo. Te da mucho tiempo para cambiar la batería y los platillos y cambiar las configuraciones de los micrófonos de una canción a otra. Ken y Greg tienen un conjunto serio de muestras de batería asesinas en sus demos. A menudo intentamos combinar sus tonos de batería programados, porque eso es lo que mejor sonaba con la música. En la última canción del disco, "The Pineal Electorate", en realidad hay cuatro kits de batería diferentes en solo esa canción. Fue una maravilla poder llegar tan lejos, ¿sabes? Y Ken es un gran mezclador. Siempre hace que la batería suene tan increíble.

¿Dejas mucho espacio para la improvisación cuando grabas?

No pienso cuando estoy grabando. No creo que se deba pensar en la música. Puedes hacer una cierta cantidad de preproducción y tener una idea general de lo que vas a hacer, pero tiene que haber ese elemento de sorpresa. Tienes que permitir que las cosas salgan de ti como nada más que una reacción a la música que estás escuchando. Crear arte es lo más cerca que alguna vez llegaremos a Dios. Es algo muy poderoso, y creo que la mayor parte de ese poder proviene de dejarlo ir. Solo sé libre y salvaje, como un niño. Pasamos 23 horas al día pensando. Lo que me encanta de la música es esa hora en la que solo puedo desaparecer y dejar que esto salga de mí, sin que mi cerebro se lo impida. Es el lanzamiento más grande del mundo.

En el escenario, puede ser un poco diferente. Solía ​​hacer mucho más improvisación. Sentí que cada público debería tener un espectáculo ligeramente diferente. Pero también hay algo que decir sobre ese tipo en la primera fila que toca el aire conmigo y cuando toco su relleno favorito al mismo tiempo que él, solo siento la electricidad y veo la gran sonrisa en su rostro cuando ambos clavarlo.

Has estado en este negocio durante bastante tiempo, tanto en Failure como como jugador de sesión. ¿Hay algo en particular por lo que sigas luchando como baterista y músico?

Al principio me di cuenta de que lo que hacía a mis bateristas favoritos mis bateristas favoritos no era necesariamente lo "buenos" que eran; era que cuando jugaban, siempre sonaba y se sentía como ellos. Todas estas notas que tocamos se han tocado un millón de veces, todas son las mismas notas. Lo único que es diferente es la persona que los juega. Nunca me interesó convertirme en el mejor baterista técnico. Lo mío es: ¿cómo uso mi instrumento, mi batería, para expresar mi voz interior? ¿Todas las cosas que tengo miedo de decirle a la gente sobre mí, solo las cosas que sé, y tal vez incluso algunas cosas que no sé, sobre mí? Cuando tu instrumento se convierte en tu voz, todas las cosas para las que no tienes palabras salen cuando tocas. Ese es tu verdadero instrumento; los tambores son justo lo que tocas. No me malinterpreten, todavía estoy luchando por todas las cosas técnicas que uno puede lograr practicando, pero me preocupa más tener una voz que, cuando toco, sabes que soy yo. Tu sabes quien soy.

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POR: DAVID JARNSTROM

Créditos: drummagazine

Tags: Lorem

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